Aunom de la vérité S02E05 Machination amoureuse - Programme TV de ce soir sur la TNT. Replay TV : liens replay TF1, M6, W9, C8, France 2, France 3, TMC pour organiser votre soirée TV. L INCOGNITO DANS H AN D ’ I SLANDE ET LA QUESTION DU NOM 169 . On verra qu’à bien des égards, Han d’Islande fonctionne tout à fait selon la logique décrite par Freud qui évoque la «tendance du créateur littéraire moderne à scinder son moi en moi partiels, par l’effet de l’observation de soi; et, par voie de conséquence, à personnifier les courants conflictuels de sa Aunom de la vérité est une nouvelle fiction quotidienne de vingt-six minutes, qui s'attache à des héros du quotidien en prise avec une décision capitale. Chaque épisode est une tranche de vie dans laquelle chacun peut s'identifier ou projeter sa propre famille. RegardezReplay Au nom de la vérité du 15/01/2022 : Au nom de la vérité - Machination amoureuse. Regardez en replay TV les programmes (film, séries tv, émissions, sport, ) des principales chaînes (TF1, France 2, M6, D8, W9, ) Les journalistes parlent au nom de la France, les journalistes parlent au nom des Français en permanence ; regardez la télévision, ils prennent toujours à partie les Français en disant les Français pensent que On parle de nous à coups de sondages en permanence, on est sondés en permanence, on sait que les sondages sont faux, et toute l’argumentation des Obtenezle livre Un sulfureux marché - Le visage du scandale - Le poids de la vérité de HelenKay Dimon au format ePub sur E.Leclerc. . Sommaire Nous utiliserons l’édition bilingue Folio théâtre n° 70 traduction d’Yves Bonnefoy. Etudes synthétiques Textes expliqués Bibliographie Comparaison d’Othello avec Zaïre, de Voltaire Études synthétiques Le contexte historique Les forces du mal dans Othello Les comparses dans Othello Les personnages féminins dans Othello Desdémone Emilia et Bianca La figure du More dans Othello Racisme et préjugés dans Othello La jalousie dans Othello Le contexte historique On relève peu de noms propres, peu de détails précis permettant de situer précisément l’action d’Othello ; cependant, nous savons que Shakespeare s’est beaucoup inspiré de la bataille de Lépante, celle-là même où Cervantès perdit son bras gauche. La bataille de Lépante ? La bataille de Lépante, 1571 Cette célèbre bataille eut lieu le 7 octobre 1571 ; elle opposait la flotte turque, composée de 210 galères et de 63 navires plus petits, à une flotte chrétienne formé de 202 galères et 6 galéasses, vénitiennes, espagnoles, génoises, pontificales et savoyardes. La France n’y participait pas. Elle faisait suite à la prise de Chypre par les Turcs en 1570, qui avait fait plus de 20 000 morts à Nicosie. Le choc a lieu dans le golfe de Patras, devant Lépante aujourd’hui Naupactos ; contre toute attente, la flotte turque est vaincue, et presque toutes leurs galères sont prises ou coulées. Cette victoire eut un retentissement considérable en Europe ; beaucoup moins cependant du côté de l’Empire Ottoman, qui reconstitua sa flotte en moins d’un an. Chypre fut finalement cédée par Venise aux Ottomans. Mais s’agit-il bien de Lépante, dans Othello ? On remarquera qu’il n’est jamais question d’une bataille navale ; mais d’une tempête qui a anéanti la flotte turque. Une escadre ottomane avait péri dans une tempête lors du siège de Famagouste en 1570, mais cela n’avait pas empêché la prise de la ville ! L’Histoire dans Othello Il n’est jamais question de Lépante dans la pièce – pourtant, à peine plus de 30 ans s’étaient écoulés, et la mémoire en restait vive. Néanmoins, le contexte de la pièce évoque, au moins en partie, ce conflit. Nous apprenons p. 75 qu’Iago s’est illustré à Rhodes et à Chypre ; Tout le premier acte bruisse d’inquiétude, à propos d’une flotte turque en route pour Rhodes, puis pour Chypre ; Shakespeare nous décrit de manière très vivante l’atmosphère dans le palais des Doges, les rumeurs contradictoires, les entrées des messagers… Finalement, tous les protagonistes sont envoyés à Chypre. Cette atmosphère guerrière donne évidemment un caractère dramatique au contexte, et permet un tableau d’histoire » très animé ; et pourtant, le drame fait s’essouffle bien vite Dès la première scène de l’acte II, nous apprenons que les Turcs sont en difficulté Une terrible tempête a si bien estourbi les Turcs que leurs projets en boitent. » p. 149 Puis Othello, sitôt arrivé, confirme Des nouvelles, mes bons amis ! Nos guerres sont terminées Les Turcs sont par le fond » Enfin, l’annonce officielle sera fait par un héraut, dans la scène II. Le contexte guerrier n’aura donc eu pour seule conséquence que d’enfermer les protagonistes loin de Venise, dans une citadelle, en une sorte de huis clos. Il donne à la pièce une connotation dramatique, et actuelle. Les forces du mal dans Othello Comme dans toutes les tragédies, les héros, ici Othello et Desdémone, vont être aux prises avec des forces agissant contre eux, forces puissantes et capables de les perdre. Dans le schéma actanciel classique, on parlera d’opposants. Parmi ceux-ci un se détache du lot, à tel point que l’on pourrait presque lui donner le rôle titre ; il s’agit d’Iago. Qui est Iago ? Son identité est présentée, par lui-même, dès la première scène c’est un jeune officier d’environ 28 ans, qui s’est illustré sur plusieurs champs de bataille cf. p. 75, et estime donc que la charge de lieutenant lui revient de droit – ce qui ferait de lui le plus proche compagnon d’Othello ! Et cette reconnaissance lui importait tellement qu’il a littéralement fait campagne » pour l’obtenir, au point d’envoyer trois notables de la ville plaider sa cause auprès d’Othello… Le refus de celui-ci, et le choix de faire de lui un simple porte-enseigne – au fond, un domestique – le met hors de lui, car il le renvoie au néant, à sa propre négativité. je suis celui qui toujours nie… » Iago ressemble par bien des traits à Méphistophélès, le Diable de Faust – or on sait que la pièce de Marlowe portant ce titre, et créée en 1592, était en cours de publication en 1604, l’année même d’Othello... Iago se caractérise par une détestation universelle de tout, et de tous ; rien de positif ne trouve grâce à ses yeux la vaillance militaire celle d’Othello n’est qu’un ramassis de récits mensongers, et n’existe donc pas – il est le seul à penser cela ; même les pires adversaires d’Othello le respectent, y compris Brabantio ; celle de Cassio est inexistante à ses yeux. Et de toutes manières, la vaillance ne sert à rien, n’est pas reconnue p. 77 Les femmes et l’amour Iago est un terrible misogyne, enfermé dans une vision caricaturale des femmes ; elles ne seraient, à ses yeux, que des furies obsédées par le sexe. Sa propre femme, Emilia, il la hait et s’en méfie, cherchant à la réduire au silence ; Desdémone serrant courtoisement la main de Cassio ne peut être qu’une débauchée prête à tromper son mari… Voir p. ex. p. 161. Quant à l’amour, il n’existe tout simplement pas. Ce n’est qu’un prurit du sang avec la permission de la volonté » p. 139. Seul compte le désir sexuel – qui n’est à ses yeux que stupre et horreur ; et cette horreur se répand partout il soupçonne Othello d’avoir séduit Emilia ! Iago est un être névrosé qui a manifestement un sérieux problème avec sa propre sexualité ! Les valeurs morales ne sont que des illusions destinées à tromper les naïfs et les imbéciles qui y croient Iago se revendique traître et voleur ! Iago est donc la négativité même, comme Méphisto Je suis l’esprit qui toujours nie, Et ce, à bon droit car tout ce qui prend naissance mérite d’être détruit ; Mieux vaudrait dès lors que rien ne naquît. Ainsi donc tout ce que vous nommez péché, destruction, bref, le mal, est mon élément propre. » Cette négativité universelle a évidemment pour corollaire une vie elle aussi négative et vide. Iago n’aime personne – et lorsqu’il donne des conseils, c’est toujours pour servir ses propres fins. Il ne s’aime pas lui-même, et il finira d’ailleurs isolé, haï de tous, et voué aux pires supplices. Une négativité agissante Iago ne se contente pas de ressasser ses haines et ses ressentiments ; il agit, en permanence, manipule les uns contre les autres, ne vit que d’intrigues et de coups tordus… et il parle ! C’est un personnage omni-présent Acte I scène 1, c’est lui qui réveille Brabantio et lui apprend la fuite de sa fille, prétendument enlevée par Othello. scène 2, nous le voyons tenter de monter Othello contre Roderigo dont il s’affirmait l’ami dans la scène précédente. scène 3, il manipule Roderigo en promettant de l’aider à conquérir Desdémone… Acte II scène 1, il arrive avec Desdémone, Cassio et Roderigo à Chypre ; il se lance dans une joute verbale avec Desdémone, dans laquelle il révèle toute sa petitesse de caractère ; la scène s’achève avec le texte 2, où nous le voyons commencer à mettre en place sa stratégie. scène 3, il pousse Cassio à boire, alors que celui-ci supporte mal l’alcool ; et bien sûr celui-ci sombre bien vite dans l’ivresse – et Iago en profite pour suggérer à Montano, le gouverneur de Chypre, qu’il est un ivrogne invétéré. Roderigo, conformément au plan, provoque Cassio, qui ne tarde pas à blesser Montano qui s’interposait. Cassio est alors relevé de sa lieutenance par Othello. Et Iago lui suggère de passer par Desdémone pour fléchir son mari… À ce point, la plupart des fils de l’intrigue sont tendus. Et à chaque instant, on trouve Iago à la manœuvre. Acte III scène 3 Cassio a obtenu une entrevue avec Desdémone, et Iago, qui a mené Othello à un endroit où il pouvait les voir, suscite sans en avoir l’air les soupçons d’Othello. Et quand Desdémone vient plaider la cause de Cassio, il instille habilement le poison du doute – si habilement qu’il dit la pure vérité sans qu’elle puisse être comprise, en deux beaux exemples d’ironie tragique c’est le fléau de ma nature que d’épier les faux-pas des autres ; par suspicion j’imagine des fautes inexistantes » p. 253 ; Gardez-vous de la jalousie ! De ce monstre aux yeux verts qui nargue la proie même qu’il dévore… » p. 255 A la fin de la scène, Desdémone a laissé tomber le mouchoir offert par Othello ; Emilia l’a ramassé, et donné, sans penser à mal, à Iago. Et lorsque Othello réapparaît torturé par la jalousie, il l’attise en suggérant une liaison entre Desdémone et Cassio. scène 4 Desdémone vient plaider la cause de Cassio devant Othello ; celui-ci lui réclame le mouchoir – qu’elle ne peut évidemment lui donner. Acte IV Scène 1 Iago s’arrange pour faire parler de Bianca à Cassio, et pour faire croire à Othello, qui écoute, qu’il s’agit de Desdémone. Et Bianca entre à ce moment rendre le mouchoir à Cassio. Othello finit par se laisser convaincre du double meurtre de Desdémone et de Cassio il tuera Desdémone, et Iago se chargera de Cassio. Scène 2 Othello étant sur le point d’être rappelé à Venise, et Cassio d’être nommé à sa place, Iago suggère à Roderigo d’assassiner Cassio, afin d’en faire accuser le More. Acte V scène 1 Iago a fait en sorte que Cassio et Roderigo s’entretuent ; mais Cassio blesse Roderigo, et Iago Cassio. Pour éviter qu’il ne parle, Iago exécute Roderigo, et accuse Bianca de la tentative de meurtre sur Cassio. scène 2 Othello tue Desdémone ; mais tout se révèle bientôt et Iago est arrêté. Il se mure alors dans le silence. Iago est donc présent dans chaque acte, et à tous les moments cruciaux de l’intrigue. Il est à l’origine de chaque scène violente, de chaque meurtre. La crédulité incroyable des autres Iago est transparent pour le spectateur il énonce toujours clairement son état d’esprit, ses haines, ses projets – et le fait, le plus souvent, en présence même de ses victimes et en s’adressant à elles. Et pourtant, tout le monde s’accorde pour célébrer son honnêteté », sa loyauté ». C’est même un leit-motiv de la pièce ! Iago est donc particulièrement habile à repérer et exploiter les failles de tous ceux qu’il rencontre le caractère colérique et emporté d’Othello, l’orgueil chatouilleux de Cassio à propos de ses qualités militaires, et sa faiblesse face à la boisson, son mépris des femmes aussi voir son attitude à l’égard de Bianca, la bêtise de Roderigo… Il ne doit son pouvoir qu’à la faiblesse et à l’aveuglement d’autrui. Othello p. 135 Roderigo fait toute confiance à Iago… qui n’hésitera pas à le tuer ; Montano… Emilia donne sans méfiance le mouchoir à Iago ; Desdémone elle-même le méprise, mais ne s’en méfie pas. Quand cesse cet aveuglement, il est réduit au silence et à l’impuissance. Un homme qui hait l’amour, la vie, le plaisir, les femmes, qui est prêt à tout pour assurer son pouvoir, un homme tout de noirceur qui passe pour honnête… Iago a tout d’un puritain, ces adversaires du théâtre ! Et la crédulité est celle du public… Othello serait-il l’équivalent anglais de Tartuffe, un brûlot contre le parti, ici puritain, là, dévot mais ce sont à peu près les mêmes, et un avertissement devant leurs menées ? Les comparses dans Othello Othello est une pièce dans laquelle la scène semble toujours pleine, où les scènes collectives, mettant en présence de nombreux acteurs, abondent. Et de fait, les comparses, parfois simples figurants, parfois personnages secondaires réellement impliqués dans l’action, sont nombreux. Les figurants Souvent anonymes, dotés parfois d’un rôle mineur, on les retrouve à divers moments clés des sénateurs, à l’acte I, commentent avec effroi les nouvelles qui leur parviennent de Chypre, et lors du procès » entre Brabantio et Othello, ils jouent un peu le rôle du chœur dans une tragédie antique. Un clown, personnage grotesque qui apparaît en III, 4, mais n’a qu’un rôle mineur ; il sert d’intermédiaire entre Cassio et Desdémone cf. III, 1 on trouve aussi un marin, un messager, un héraut, des officiers, des gentilshommes, des musiciens et autres ». Toutes ces présences donnent à la pièce une allure vivante, proliférante, comme la vie même. Les comparses Brabantio Il est le père de Desdémone, et tout son rôle consiste, en père autoritaire, à tenter d’empêcher le mariage de sa fille et d’Othello ; mais très vite, il constate son impuissance Desdémone est bel et bien mariée, le Doge et son conseil acceptent la situation… il en est réduit aux récriminations, et disparaît très vite. On apprendra par la suite V, 2 qu’il en est mort, sans que son décès paraisse émouvoir quiconque. Gratiano et Lodivico Ce sont le frère et un parent de Brabantio ; ils n’ont guère de rôle actif. Le doge de Venise Lui aussi voit son rôle confiné à l’acte I c’est lui qui reçoit la plainte de Brabantio, et qui envoie Othello à Chypre. Montano Représentant du doge à Chypre, il doit être remplacé par Othello II, 1 mais n’en éprouve aucune amertume. Il offre à boire sans penser à mal à Cassio II, 3, puis se laisse convaincre que celui-ci est un dangereux ivrogne. Il sera peu après blessé par Cassio – ce qui vaut à celui-ci un renvoi immédiat. Bianca C’est une courtisane, sincèrement amoureuse de Cassio, dont elle est la maîtresse, mais méprisée par lui – les propos de Cassio sur Bianca seront pris par Othello pour des injures adressées à Desdémone ; accusée par Iago de la tentative de meurtre sur Cassio, elle échappera de peu à une injuste condamnation. Les personnages secondaires actifs Eux ont un vrai rôle dans l’intrigue, même s’ils sont manipulés. Cassio Il est le plus important de tous C’est à cause de lui que Iago se déchaîne contre Othello il a été nommé lieutenant à sa place ; Iago s’arrange pour le faire boire, et pour qu’il soit destitué ainsi il demandera l’intercession de Desdémone auprès d’Othello ; C’est chez lui que Iago déposera le mouchoir de Desdémone ; Ses propos méprisants à l’égard de Bianca seront pris pour des injures à Desdémone ; Il sera blessé par Iago – qui accusera Bianca de ce crime. Roderigo Ce gentilhomme vénitien apparaît d’abord comme le complice de Iago comme lui il en veut à Othello mais pour une rivalité amoureuse, et il sera l’auxiliaire agissant de Iago I, 1 et II, 1. Il ira jusqu’à tenter d’assassiner Cassio pour faire accuser Othello du meurtre, mais sera lui-même assassiné par Iago V, 1. Emilia L’épouse d’Iago est aussi l’amie et la confidente de Desdémone. Méprisée de son mari, elle ignore ses projets, et participe plus ou moins à ses préjugés elle traite Bianca de roulure » ; c’est elle qui, sans le vouloir, cause la perte de sa maîtresse en donnant le mouchoir à Iago. Mais ce sera elle aussi qui révèlera, trop tard, à Othello et à l’ensemble des personnages les crimes de Iago – qui la tuera. On remarquera que de tous ces personnages, seuls Brabantio et Roderigo sont réellement hostiles à Othello ; tous en revanche apprécient et respectent Desdémone. Mais tous seront manipulés par Iago, et amenés à détruire ce couple, plus ou moins volontairement. Les personnages féminins Othello est une pièce très masculine l’essentiel de l’action se joue entre des soldats, dans une citadelle menacée, puis rassurée ; à Venise comme à Chypre, les décisions, les conflits ont lieu entre hommes ; les femmes sont souvent des victimes collatérales. Aussi est-ce Othello qui donne son titre à la pièce, et non Desdémone celle-ci est un enjeu, un moyen d’atteindre le More ; Iago n’a rien contre elle, Roderigo n’en est que vaguement amoureux, Cassio ne voit en elle qu’un intermédiaire qui lui permettra de fléchir Othello… Seul celui-ci, parce qu’il l’aime, voit en elle un personnage essentiel. Quant aux autres femmes, elles ne sont que deux – mais l’on verra que leur action est décisive. Desdémone De la jeune fille libre et audacieuse… Othello et Desdémone à Venise – Théodore Chassériau Desdémone, évoquée dès les premières scènes de l’acte I par les personnages, n’apparaît elle-même qu’à la scène 3 ; elle nous est présentée comme une toute jeune fille, qui, certes, vaque aux occupations de la maison sans se révolter apparemment contre les valeurs incarnées par son père celui-ci la croit bien sage !, mais semble attendre autre chose de l’existence. Entre un père inconsistant et une mère, semble-t-il, absente, morte peut-être, elle s’ennuie ; et ce sont les récits d’Othello qui l’éveillent à elle-même, au point de regretter que le Ciel n’eût point fait / d’elle un homme de cette sorte ». p. 123. Et de fait, elle affirme haut et fort son choix et sa volonté, devant le Doge, les Sénateurs, et son père, sans paraître le moins du monde intimidée ! Immédiatement, elle prend une décision courageuse, celle de suivre Othello à Chypre, bravant tous les dangers, à commencer par la menace d’une défaite et de ses conséquences prévisibles elle est alors parfaitement cohérente avec elle-même une jeune fille de caractère, tentée par un mode de vie aventureux et dangereux, et s’engageant sans réserve pour l’homme qu’elle aime. Et c’est encore la même jeune fille franche, directe, courageuse, qui affronte Iago dans la première scène de l’acte II, et le pousse dans ses retranchements, au point de mettre à jour sa nature médiocre et méprisable paradoxes rebattus », épaisse bêtise », très grossier personnage, extrêmement impudique »… p. 165-167 Desdémone est la seule, semble-t-il, à juger Iago à sa juste valeur. … à l’enfant injustement punie La première rupture intervient après la perte du mouchoir III, 4 ; à ce stade, Desdémone se montre encore ferme, refusant de céder à Othello. Mais à partir de l’acte IV, tout change scène 1, Othello la gifle, l’insulte, et elle ne réagit pas. scène 2, Othello la traite de putain, et cette fois elle semble accepter des accusations auxquelles elle ne comprend rien Il est juste que je sois traitée ainsi, tout à fait juste, comment ai-je bien pu me comporter pour qu’il ait pu placer un tel opprobre sur même la plus grave de mes fautes ? » p. 377 D’un caractère qui semblait si bien trempé, on attendrait de la révolte, de la colère ; or elle se laisse briser sans vraiment se défendre. scène 3 Othello lui ordonne d’aller se coucher, en renvoyant Emilia ; on sent que Desdémone, qui évoque à ce moment le souvenir d’une autre servante, Barbara, abandonnée et qui en est morte, chante sa chanson ; on devine qu’elle pressent son sort imminent. Elle continue de réaffirmer sa fidélité à Othello – devant Emilia, comme elle l’a fait devant Iago, c’est-à-dire en pure perte l’une ne pourrait, l’autre ne voudrait convaincre Othello. Enfin, lors de la dernière scène, elle tente une dernière fois de dire la vérité, mais Othello est hors d’état de l’entendre – et elle ne peut que le supplier en vain. Comment comprendre ce changement radical, cette apparente soumission, cette acceptation de l’inacceptable ? Desdémone est victime d’une terrible solitude dès le premier acte, on devine que son existence auprès de son père est un désert. La rencontre avec Othello a été pour elle un don total à aucun moment elle ne renie cet amour, même quand Othello lui fait subir des avanies aussi brutales qu’inexplicables, et l’accuse de fautes imaginaires. Or, si elle se refuse à considérer Othello comme faillible, elle n’a d’autre choix que d’accepter son jugement. Cette acceptation n’est donc que le résultat d’un amour absolu – qui ira jusqu’à s’accuser elle-même de son propre meurtre. Et la souffrance, la solitude, l’abandon qu’elle a dû éprouver l’ont fait régresser à ce tout petit enfant » qu’elle redevient quand on la gronde l’être à la fois le plus pur, mais aussi le plus vulnérable et sans défense. Avec Othello, elle avait toutes les audaces ; sans lui, elle est brisée. Bianca Bianca a déjà été mentionnée parmi les comparses voir ici. Bien qu’elle soit une courtisane, Bianca est assez proche de Desdémone, en ce sens qu’elle aussi est victime de l’amour, d’un amour asymétrique elle aime profondément Cassio, au point d’être abattue, atterrée par sa mort supposée ; mais lui ne l’aime pas. Elle est intermédiaire entre Desdémone et Emilia comme la première, victime des machinations d’Iago, elle subit son sort – et peut s’en faut, à l’acte V, qu’elle soit accusée d’un meurtre qu’elle n’a pas commis ; elle aussi sera victime des apparences de même qu’Iago a exploité la courtoisie de Desdémone pour laisser croire à sa culpabilité, de même, il exploitera son trouble devant Cassio blessé pour l’accuser. Comme Desdémone aussi, elle aime sans restriction, et son amour n’est pas payé de retour. Cassio en effet se moque d’elle, et la méprise ouvertement. Mais comme la seconde, elle est un instrument du mal sans le vouloir Cassio lui confie le fameux mouchoir pour qu’elle le fasse copier, et c’est en le rapportant à celui-ci qu’elle sera vue d’Othello. Cependant, présente dans seulement 3 scènes, elle reste un personnage très secondaire. Emilia Emilia a déjà été mentionnée parmi les comparses voir ici. L’épouse – méprisée, parfois maltraitée d’Iago – semble suivre le chemin inverse de celui de Desdémone. D’abord peu présente une scène à l’acte II, elle est de plus en plus présente. Contrairement à Desdémone et à Bianca, elle n’est en rien une victime. Son rôle est déterminant c’est elle qui, sans penser à mal, donne le mouchoir de Desdémone à Iago. À ce moment, elle obéit encore aveuglément à son mari ; elle ira d’ailleurs jusqu’à insulter Bianca p. 429. Mais à mesure que la pièce avance, elle prend de plus en plus de caractère, notamment lors de la scène où elle déshabille Desdémone, tout en essayant de la distraire de ses funestes pensées en plaisantant elle se montre joyeusement cynique, affirmant qu’elle-même pourrait tromper son mari pour tout l’or du monde » ; elle pousse même Desdémone à une saine révolte contre les caprices masculins p. 405. Et finalement, c’est elle qui, la première, comprend l’origine du drame et dénonce les manoeuvres d’Iago. Elle montre alors son courage et sa détermination, d’abord en affrontant un Othello encore armé et fou de rage, puis un Iago décidé à la faire taire à tout prix ; elle y laissera sa vie. La détermination et le courage d’Emilia, qui ose affronter son mari et dénoncer toute la machination semble compenser la faiblesse et la résignation de Desdémone elle meurt en héroïne. Conclusion des relations hommes-femmes extrêmement violentes. On peut avoir l’impression, dans cette pièce comme dans bien d’autres de Shakespeare d’une véritable guerre des sexes ». À l’égard des femmes, les hommes exigent une obéissance et une fidélité absolues, qu’ils sont loin de pratiquer eux-mêmes ; ils ignorent délibérément les désirs, la personne même de la femme qu’ils prétendent aimer, comme le rappelle Emilia p. 405 … c’est la faute des maris si leurs femmes les trompent. Pensez à ceux qui négligent ce qu’ils nous doivent et versent notre bien dans le sein d’une autre, ou qui ont des accès de jalousie mesquine et nous accablent de chaînes ou même qui nous frappent ou par dépit réduisent notre train !… Eh bien nous aussi avons nos humeurs, et, bien que gentilles, nous saurons prendre des revanches. Que les maris apprennent que leur femme a des sens tout aussi bien qu’eux. » Et cette violence s’exprime avec une vigueur tout à fait impossible dans le théâtre classique, sans la moindre censure ainsi Othello peut-il insulter sa femme avec les mots les plus orduriers, la frapper devant son cousin, et finalement la tuer sous nos yeux ! Dans la pièce, ni Emilia, ni Bianca, ni Desdémone ne sont coupables de quoi que ce soit ; en revanche, les hommes se montrent menteurs, brutaux, insultants, et finalement meurtriers ils sont incapables d’aimer. La figure du More dans Othello Introduction Qu’est-ce qu’un More, ou Maure ? On donne d’abord ce nom principalement aux Sarrasins qui soumirent l’Espagne ; par la suite, on désigne ainsi les habitants d’Afrique du Nord, soumises aux Turcs. Et, par extension, le mot en vient à désigner également des Noirs. Qui est Othello ? Il se décrit lui-même comme Noir » il fait probablement partie de ces Africains vendus comme esclaves aux Mores, puis devenu citoyen vénitien à la suite d’on ne sait quelles pérégrinations. Il est parfaitement intégré à la société vénitienne nul ne met en doute ni sa langue – il est même passé maître en matière de récits – ni sa valeur militaire, ni sa religion il en est d’ailleurs fort peu question dans la pièce, ni sa citoyenneté. Seule sa couleur de peau signale encore son caractère étranger. Un personnage omniprésent et agissant Excepté deux courtes scènes II, 2 et III, 1, Othello est constamment présent, sinon en personne comme dans la plupart des scènes, du moins dans l’esprit des personnages I, 1. Général, aventurier déjà d’âge mûr, mais toujours en quête d’action, il est au centre de toutes les intrigues C’est lui qui déclenche l’ire d’Iago, en nommant Cassio lieutenant, et la jalousie de Roderigo en épousant Desdémone ; C’est lui qui séduit Desdémone par ses récits, et aussitôt l’épouse ; C’est tout naturellement que l’on fait appel à lui quand le danger approche il est nommé gouverneur de Chypre au moment où les Ottomans menacent la citadelle, et il part aussitôt avec une flotte ; Sitôt nommé gouverneur, il fait régner l’ordre, et destitue Cassio qui a commis une faute ; Manipulé par Iago, il sombre dans la jalousie, mais non dans l’inaction il frappe Desdémone, l’insulte lors de la scène du bordel », et décide froidement d’éliminer Cassio et d’assassiner Desdémone – un dessein aussitôt mis en œuvre. Sitôt la vérité apprise, il tente de tuer Iago, puis se suicide. C’est donc un personnage constamment en mouvement, et qui ne nous laisse rien ignorer de ses changements d’humeur, de ses tourments… Mais est-il pour autant une figure barbare ? Le More, une figure ambivalente Certes les ennemis d’Othello voient en lui une figure repoussante. Roderigo parle avec mépris de ce lippu » p. 79, de la puante étreinte d’un More des plus lubriques » p. 87, d’un étranger, un aventurier, un vagabond, ni d’ici ni de nulle part » ibid. ; Iago le décrit comme un vieux bélier, la nuit ténébreuse en personne » p. 81, et plus loin comme un étalon de la Barbarie » p. 85, un vagabond de la côte barbaresque » p. 141 ; Brabantio évoque, en parlant de sa fille, de ce qu’elle avait peur de simplement regarder », et le voit sous les traits d’un sorcier… Mais il faut noter que ces trois personnages sont les seuls à exprimer des sentiments racistes à l’égard d’Othello. Et leur parole est dès lors dévalorisée. Pour tous les autres un honnête homme et un héros. Ce qui frappe au contraire, c’est l’unanimité qui entoure Othello. On peut déplorer son emportement comme Lodovico quand il le voit frapper Desdémone, ou Emilia, mais cela n’enlève rien à l’estime générale. Même Iago est obligé d’admettre qu’Othello est un homme de bien Le More est par nature franc, sans méfiance, il croit les gens honnêtes pour peu qu’ils le paraissent » p. 145. Mieux encore, à aucun moment son héroïsme et sa loyauté au service de Venise ne sont mises en cause nul ne le soupçonne d’une quelconque sympathie envers les Ottomans. Si bien qu’au dénouement, lorsque l’on découvre avec horreur le meurtre de Desdémone, chez les assistants c’est plutôt la pitié qui domine Où est ce forcené, cet homme si malheureux ? » demande Lodovico. Aux yeux du spectateur, Othello est-il un barbare ? Othello fait partie des tragédies les plus sombres de Shakespeare, et le spectateur moderne peut être horrifié à bon droit de la violence du personnage il frappe, il insulte Desdémone, il prémédite froidement l’assassinat de Cassio et l’exécution de Desdémone. Mais si cette violence est indéniable, elle n’a rien à voir avec une nature barbare » qui serait celle du seul Othello. Cette violence, en réalité, est partagée par l’ensemble de la société ! Cassio manque de tuer Roderigo, qui lui a manqué de respect ; Roderigo accepte sans broncher la mission d’assassiner Cassio, avec ce commentaire Ce ne sera qu’un homme de moins. Un coup d’épée, il est mort » p. 411 Dans le combat qui s’ensuit, Roderigo et Cassio se blessent mutuellement, avec la volonté de tuer. Mais le pire de tous est évidemment Iago il fait en sorte que Cassio et Roderigo s’entretuent, et il achève lui-même Roderigo, pourtant son complice ; démasqué, il poignarde Emilia… sans compter qu’au passage, il fait accuser Bianca, qui serait probablement condamnée à mort si la vérité n’avait pas éclaté… La violence et le sang n’ont donc absolument rien à voir avec la nature » d’Othello, et personne d’ailleurs ne fait le rapprochement. Le dénouement certes est sanglant, mais comme le sont ceux d’Hamlet ou de Macbeth… Racisme, sexisme et préjugés dans Othello L’époque élizabéthaine, et plus particulièrement le théâtre, ignore le politiquement correct » racisme et préjugés en tous genres s’y expriment librement, sans que cela suscite de réactions outragées. Ce qui rend un certain nombre de pièces injouables aujourd’hui… Ainsi, Le Marchand de Venise met-il en scène un personnage de juif particulièrement glaçant ! Othello n’y échappe pas le protagoniste est un Noir cf. plus haut, et la victime une femme ; deux victimes privilégiées des préjugés… Racisme et xénophobie Un contexte favorable à la xénophobie L’Angleterre est une île, elle a opté pour la réforme anglicane en 1535, ce qui a ajouté un nouvel ennemi à la longue liste de ceux qui menacent le pays. Celui-ci se sent cerné par les papistes », et notamment les missions jésuites qui cherchent à déstabiliser le royaume – or l’Irlande, toute proche, est restée catholique ; par le reste de l’Europe, France, Espagne notamment que l’on pense à l' »invincible armada » lancée par Philippe II d’Espagne en 1588, vaincue par la flotte anglaise ; et, bien au-delà de ce second cercle, l’immensité du monde païen, que les grandes découvertes » ont permis de mieux connaître. Les Anglais sont accablés par la pluralité des mœurs et des religions ces gens-là, les plus éloignés, juifs, musulmans et païens, il y a bien peu de chances de les convertir… Ajoutons le fait que l’Angleterre du 16ème siècle souffre d’un retard technique chronique elle doit faire appel à de nombreux étrangers pour qu’ils importent des techniques et en tirent bénéfice ceux-ci seront souvent accusés de créer la disette ! De nombreuses émeutes anti-étrangers vont éclater, tout au long du siècle. Or l’ennemi est à la porte même de l’Angleterre, comme le montre l’affaire Calvin ». Le roi Jacques Ier avait rattaché l’Ecosse au royaume d’Angleterre, suscitant dans le pays une vague de chauvinisme et de haine – l’Ecossais étant considéré comme un barbare. La question était venue en 1607 au tribunal un enfant né en Ecosse avant l’avènement de Jacques Ier en 1603 était-il citoyen anglais ou étranger ? L’affaire était d’importance, car le jeune Robert Calvin devait hériter de terres en Angleterre ; or, s’il était reconnu étranger, il ne pouvait avoir aucun bien foncier. La cour de justice avait fini par statuer en sa faveur, mais à la suite de cela, trois types d’étrangers avaient été définis Les étrangers amis ceux qui viennent d’un pays allié de l’Angleterre. Ils peuvent habiter dans le royaume, y acheter des biens meubles, mais ne peuvent posséder ni terre, ni héritage foncier. Les étrangers ennemis temporaires ceux des pays catholiques, Espagnols ou Français, par exemple, dont on peut espérer une éventuelle conversion, ou dont les gouvernements peuvent devenir alliés de l’Angleterre ; Les étrangers avec sauf-conduit » ceux des autres pays, à qui l’on a accordé l’autorisation de résider en Angleterre par exemple des diplomates ; Les étrangers perpétuels juifs, musulmans ou païens. Ceux-là sont dénués de tous droits ; leur exclusion est totale et définitive. Même convertis, on ne leur fait pas confiance et leur conversion est considérée comme fragile ou hypocrite. Barbares, ils sont hors de la loi naturelle et de la loi de Dieu. Si l’Angleterre conquiert leur pays, elle a le droit d’abolir toutes leurs lois et coutumes l’Angleterre colonisatrice considère des groupes humains entiers comme des sauvages et des animaux. Racisme et xénophobie dans la pièce Il y a plusieurs étrangers dans la pièce, qui reprennent la hiérarchie précédemment indiquée L’étranger ami Michel Cassio. Celui qui a supplanté Iago auprès d’Othello est Florentin ; et voici comment il est décrit un grand calculateur … un Florentin, du nom de Michel Cassio, / Un qui se damnerait pour de belles femmes, / Mais qui, jamais, jamais, n’a mené se battre / La moindre escouade ; et qui ne sait pas mieux / que fille à son fuseau commander la troupe ! » p. 75 ; et quelques vers plus bas, il est qualifié de Ce caissier, ce gratte-sous . Certes, c’est toute la haine d’Iago qui s’exprime ainsi, et devant sa dupe Roderigo ; mais justement, Iago sait fort bien s’appuyer sur les préjugés de ceux qu’il entend manipuler… L’étranger perpétuel le Turc. S’il est un point sur lequel tout le monde est d’accord, c’est la guerre contre le Turc, ennemi belliqueux et conquérant qui veut s’emparer de Rhodes et de Chypre, possessions vénitiennes, ennemi d’autant plus haïssable qu’il est habile stratège, ennemi total puisque musulman. notre ennemi à tous, l’Ottoman » p. 111 ; c’est d’ailleurs parce qu’il est le plus apte à combattre cet ennemi qu’Othello obtient l’accord du Doge pour son mariage avec Desdémone… Le Turc est donc à la fois redouté pour sa puissance, et méprisé à l’acte II, la tempête qui anéantit sa flotte apparaît comme un signe divin. Et Turc » est une insulte. Je dis le vrai, ou c’est que je suis un Turc , dit Iago p. 161. et Othello, dans sa dernière réplique, raconte que à Alep, une fois, voyant un malveillant Turc enturbanné Frapper un Vénitien et insulter Venise, Je saisis par la gorge ce chien circoncis Et l’embrochai, – ainsi. » p. 479-481. L’étranger perpétuel Othello ? Nous avons vu plus haut le caractère ambivalent d’Othello, à la fois héros reconnu, être parfait, mais aussi Barbare aux yeux de ses ennemis, et à ses propres yeux. aux yeux de Brabantio, Desdémone a trahi son propre sang » même converti, même éduqué comme un Vénitien, même devenu un héros national, Othello reste un Barbare, à peine un humain Se pourrait-il qu’une fille aussi tendre, aussi belle et heureuse, … aurait couru … vers la poitrine noire comme la suie d’un machin comme toi ? » p. 101 ; et p. 105 Si de tels méfaits avaient libre cours, Esclaves et païens nous gouverneraient . Quoi qu’il fasse, Othello ne sera jamais qu’un esclave » et un païen ». Les métaphores qui le désignent sont soit animalières, soit diaboliques le diable », les sciences de l’enfer », un démon » Il se croit immédiatement trahi de Desdémone parce qu’il doute de sa propre capacité à être aimé ; pour lui aussi, le choix de la jeune femme est contre nature Est-ce parce que je suis noir, ou n’ai en rien / les faciles manières des gens des villes, / ou redescends la pente de la vie… » p. 267. Lui-même associe la couleur de sa peau à une souillure mon nom … le voici souillé maintenant, noir comme l’est ma face ». p. 281. L’ennemi perpétuel Iago. Iago est à la fois Vénitien, soldat ayant fait la preuve de sa vaillance, et honnête homme aux yeux de tous, y compris d’Othello. Mais il est le pire ennemi, celui qui trahit de l’intérieur – la hantise des citadelles assiégées ! Seule Desdémone a, un moment, perçu sa méchante nature. Mais, une fois dévoilé, par un renversement spectaculaire, c’est lui qui devient l’Autre absolu, tandis qu’Othello est réintégré parmi les hommes. Iago est alors fameuse canaille », ordure », suppôt de l’enfer », vipère », esclave damné » Y. Bonnefoy traduit a damned slave » par maudite canaille » p. 473 ; mais le terme slave », esclave » est important Iago à son tour est ravalé au rang infra-humain qui était celui d’Othello. Il devient même chien de Sparte », promis au supplice – comme un esclave. Les préjugés contre les femmes Nous avons étudié plus haut les personnages féminins de la pièce. Si les femmes sont moins rejetées sans doute que les étrangers, les préjugés à leur égard ne manquent pas, exprimés entre autres par Brabantio, Iago surtout, puis Othello lorsqu’il est sous influence ; et l’on peut penser que la force de ces préjugés est pour beaucoup dans la facilité avec laquelle il a cru à la trahison de Desdémone. On est encore dans la lignée de la querelle des femmes » La femme est bavarde reproche constant d’Iago à Emilia – et ironiquement, il sera effectivement confondu par les paroles de sa femme ! ; La femme est inconstante, lascive, toute entière soumise à ses désirs cf. le discours d’Iago à Roderigo, II, 1 ; La femme est surtout trompeuse, experte en mensonges, toujours prêtes à berner un mari trop confiant Je sais trop ce que sont nos Vénitiennes, Et qu’il n’est que le Ciel qui sache les tours Qu’à leurs maris elles n’osent certes pas dire. Toute leur morale, Ce n’est pas de ne pas pécher, c’est de n’en rien faire voir. » p. 259 Mais Shakespeare croit-il en ces préjugés ? S’il existe quelques beaux monstres féminins dans son théâtre, la monstruosité est assez bien répartie entre hommes et femmes, et ces dernières sont le plus souvent des victimes pitoyables et innocentes Ophélie, Juliette… ou Desdémone. Dans Othello, elles ont le beau rôle si Emilia dit en badinant, pour distraire Desdémone, qu’elle trahirait son mari pour en faire un Roi », en réalité toutes les figures féminines se montrent ici honnêtes, véridiques, et sincèrement amoureuses du moins Bianca et Desdémone. La pièce apparaît donc plutôt comme un manifeste contre les préjugés sexistes. Conclusion Othello, le Noir de la pièce, ne devient conforme à la figure honnie du Barbare que sous l’influence d’un empoisonneur et de ses poisons ; avant, et après, il redevient l’être parfait décrit par les bons » personnages. Les femmes de la pièce ne correspondent en rien, bien au contraire, aux clichés sexistes des autres personnages. On peut donc en conclure que Shakespeare prenait grandement ses distances par rapport à ces préjugés ; sans les combattre frontalement, il savait les remettre en question. La jalousie dans Othello Othello n’est pas, au départ, voué à la jalousie Othello est un soldat, dont personne à part Iago et Roderigo ne met en doute l’honnêteté ni la vaillance ; lui-même connaît sa propre valeur il n’a donc aucune mésestime de soi, qui pourrait lui laisser croire que Desdémone pourrait en aimer un autre. En revanche, il a un sens de l’honneur chatouilleux, et c’est aussi par là que Iago va le toucher. Othello, parfaitement honnête, s’attend à la même attitude de la part d’autrui Le More est par nature franc, sans méfiance, Il croit les gens honnêtes pour peu qu’ils le paraissent. » p. 145. Il accordera donc foi aux paroles d’Iago, dont il n’imagine même pas la noirceur ; et inversement, il se croira trahi par Cassio, car les apparences joueront contre celui-ci. Et de même, par Desdémone, quand il pensera avoir la preuve de son infidélité. Il n’y a donc chez Othello aucune prédisposition maladive à la jalousie quand Brabantio dépité lui lance Aie l’oeil sur elle, More, apprends à la surveiller. Elle a trompé son père, elle peut aussi te tromper. » la seule réplique d’Othello est J’ai sa foi, j’en réponds et sur ma vie ! » On peut y voir, bien sûr, de l’ironie tragique ; mais c’est aussi et surtout une preuve d’amour et de confiance. Le seul personnage maladivement jaloux, c’est Iago – comme un aspect de son envie universelle. Persuadé que toutes les femmes sont lubriques et menteuses, il soupçonne tout naturellement la sienne, sans l’ombre d’une preuve Car je soupçonne fort ce More fougueux d’avoir sauté sur ma propre selle et cette pensée me ronge, comme un poison » p. 181 Emilia elle-même y fera allusion acte IV, scène II, lorsqu’elle devinera que quelqu’un a empoisonné » l’âme d’Othello C’est un sire de cette sorte qui vous avait retourné l’esprit pour vous faire nous soupçonner, moi et le More » p. 383 Emilia non plus n’imagine pas toute la noirceur de Iago… et pourtant, elle partage sa vie. Ne minimisons pas la puissance de dissimulation de ce personnage, que tous, Othello, Cassio, Roderigo croient honnête presque jusqu’au dénouement… Seul le public la connaît, puisqu’à plusieurs reprises Iago la lui a exposée, droit dans les yeux, exactement comme Richard III dans la pièce éponyme s’est peint lui-même comme un criminel – pour le seul public. De la jalousie d’Iago à celle d’Othello Emilia décrit ainsi la jalousie ils ne sont pas jaloux pour une raison, mais parce qu’ils sont jaloux. La jalousie ? un monstre qui s’engendre lui-même, et se nourrit de soi. » p. 313 Mais cette jalousie est celle de Iago, non celle d’Othello. Pour Othello, il faudra d’abord l’action constante, les insinuations perfides d’Iago, le poison » moi, dans l’oreille de ce dernier, je verserai de la pestilence… » p. 221 Or souvenons-nous de la manière dont le père d’Hamlet fut assassiné par un poison versé dans son oreille… Hamlet date de 1600, quatre ans à peine avant Othello ! Iago a le même modus operandi » que Claudius, comme lui faux frère » et imposteur. L’empoisonnement commence très précisément par le Ah, je n’aime pas cela », p. 239 ; il se poursuit p. 247, par des allusions plus précises. Or, à nouveau, Othello refuse de se laisser prendre il exige des preuves irréfutables, concrètes. Crois-tu que je veuille une vie de jaloux, avec soupçons croissant et décroissant comme les phases de la lune ? … … Non, non, Iago, avant de soupçonner je veux avoir vu. Et si je dois douter je demanderai des preuves. » p. 259 Ce n’est pas là le comportement d’un jaloux maladif, mais d’un homme rationnel et droit ; en revanche, si on lui démontre la culpabilité de Desdémone, il tranchera, exactement comme il l’a fait en destituant Cassio. Et si le doute s’insinue en lui, c’est simplement qu’il croit Iago honnête, et n’imagine pas une quelconque malveillance de sa part cet honnête homme » p. 265, cet homme est d’une extrême honnêteté » p. 267 Or la preuve que va apporter Iago a toutes les apparences d’une preuve irréfutable le mouchoir, cet objet à la fois talisman et signe d’amour, que Iago va faire apparaître entre les mains de Cassio – et qui suscitera les dénégations maladroites de Desdémone. Là encore, le spectateur n’ignore rien de la machination, mais aux yeux d’Othello, cela ne peut apparaître que comme la preuve absolue de la trahison Desdémone n’a plus le mouchoir, mais elle ne fournit aucune explication ; elle s’obstine à plaider la cause de Cassio, avec qui on l’a vue discuter en tête-à-tête ; Iago, qu’il croit honnête, lui raconte un aveu de Cassio durant son sommeil p. 285 plus tard, Othello entendra Cassio parler avec mépris d’une femme trop amoureuse… Enfin Cassio lui-même est mal à l’aise face à Othello. Chaque fait isolé a une explication, mais Othello, empoisonné par Iago, ne peut évidemment comprendre autre chose que la trahison. Une juste colère ? Othello est donc convaincu que Desdémone et Cassio l’ont trahi. Sa réaction est-elle condamnable, aux yeux de Shakespeare ? Rien n’est moins sûr. Pour le comprendre, il faut revenir à d’autres figures de la jalousie, dans la littérature et le théâtre ; et une autre figure s’impose alors celle de Médée. Dans la pièce d’Euripide, Médée n’est pas d’emblée condamnée, en tous cas pas à cause de sa jalousie. En effet, elle a tout donné à Jason en trahissant son propre père, elle lui a permis de conquérir la toison d’or et lui a donc donné le pouvoir ; elle a abandonné sa patrie pour le suivre à Corinthe ; elle lui a donné deux enfants. Et voilà qu’il prétend désormais la répudier, pour épouser une princesse, Créüse… Médée revendique sa colère, μῆνι, le même mot qu’Achille ! Elle la clame haut et fort, et le spectateur la suit ; Egée, d’ailleurs, accepte de l’accueillir. Si elle n’avait pas manifesté sa fureur, elle eût passé pour une âme d’esclave, indigne de la princesse qu’elle était. Le seul moment où elle est condamnable, c’est quand elle se trompe de cible, et tue ses enfants. Mais ni le meurtre de Créüse, ni sa fureur contre Jason n’apparaissent indignes d’elle. Il faudra attendre Sénèque, le stoïcisme, et cette sagesse consistant à ne pas éprouver de colère, ni d’émotion, mais à refouler sa douleur, pour que Médée apparaisse comme une folle, à la fois faible et criminelle. De la même façon, Othello se montrerait faible et indigne de lui-même, de ses valeurs, s’il acceptait le déshonneur du cocuage sans réagir si on lui apporte la preuve, alors il devra trancher. Relisons la page 258-259 Non, si je doute, je trancherai aussitôt. … Après quoi, preuve faite, quelle suite ? En finir sur-le-champ avec et la jalousie et l’amour. » Othello se considère comme doublement trahi, dans ses sentiments, certes, mais aussi dans son honneur ; cf. p. 323 le déshonneur de Desdémone ne peut que rejaillir sur lui. Voici le dénouement – Lodovico Othello ! Toi qui étais un homme de bien, t’être laissé empiéger par cette maudite canaille ! Quel nom va-t-on te donner ? – Othello Ah, peu importe ! Un meurtrier par honneur, si vous voulez. Je ne fis rien par haine, je ne pensais qu’à l’honneur. » p. 473 Textes expliqués incipit Acte II, scène 1 L’incipit, p. 73-79, du début à qu’il y perde de sa couleur ! » Le tout premier texte met en scène un des personnages principaux, Iago, accompagné d’un comparse, Roderigo, qui joue un peu ici le rôle d’un confident il écoute et donne la réplique à Iago. Le cadre et les prémisses de l’action La scène se passe à Venise, la nuit. Rien n’indique pour le moment, clairement, dans quel contexte historique se joue la scène, mais il sera fait plus tard des allusions à la bataille de Lépante 1571. La pièce de Shakespeare datant de 1604, cela ne renvoie pas à un passé bien lointain une trentaine d’années… Les allusions à Rhodes et Chypre suffisaient aux contemporains pour situer la scène. Le contexte est militaire Iago se plaint de n’avoir pas obtenu un poste de lieutenant auprès d’Othello, et d’être obligé de se contenter d’être son enseigne… Puis, à la fin du passage, le contexte change il est question de la fille », du père » qu’il faut réveiller on suppose alors qu’à la jalousie militaire se superpose une jalousie amoureuse. Présentation des protagonistes La plupart des protagonistes sont présentés ici, soit par eux-mêmes en une sorte d’auto-portrait, soit par Iago et Roderigo. Le More de Venise, Othello De rang élevé il nomme son lieutenant, est servi par un enseigne, il est l’objet de la haine, tant d’Iago que de Roderigo. Chez Iago, la haine d’un homme qui se sent floué se mêle au mépris le plus violent Lui qui se délecte, dans son orgueil de tout ce qu’il concocte, il les a menés en bateau avec son baratin, une soupe immonde, toute gonflée d’images militaires. » p. 75 A ses yeux, Othello n’est qu’un miles gloriosus , un beau parleur sans réelle valeur. Sa haine aveugle va le conduire à trahir Othello, et il théorise ici sa trahison et à lui nuire de toutes les manières possibles. Othello n’est pas mieux vu de Roderigo ; mais chez lui, s’exprime davantage une haine raciste il en a de la chance, ce lippu ! » que des griefs réels. On peut imaginer qu’Othello fait preuve d’un certain aveuglement il se croit loyalement servi, et ne se rend pas compte de la haine qu’il suscite. Michel Cassio C’est le jeune homme Florentin qu’Othello a choisi pour lieutenant. Iago nous apprend qu’il s’agit d’un homme à femmes, peu expert dans le métier des armes. Iago le méprise, mais le hait somme toute moins qu’Othello ; il servira d’outil à sa vengeance. Auto-portrait d’Iago C’est le personnage le plus agissant de la tragédie, et le plus spectaculaire. Son portrait se précisera tout au long de la pièce ; mais ici, déjà, il se manifeste comme un protagoniste c’est lui qui prononce les plus longues tirades, qui donne des leçons et des ordres… C’est un redoutable manipulateur. Il apparaît d’abord comme un homme en colère il s’attendait à une promotion, et c’est un homme de moindre valeur qui l’a obtenue à sa place. Toute la page 75 exprime sa fureur devant ce qu’il ressent comme une énorme injustice, dont Othello s’est rendu coupable. Puis, à partir de la p. 77, il passe à l’action. Tout d’abord, sur un ton très sentencieux, il fait la théorie du serviteur traître ; il oppose le méprisable bon serviteur » amoureux de sa servitude, à l’hypocrite assumé qu’il veut être ; Molière se souviendra peut-être de cet éloge de l’hypocrisie » dans son Dom Juan… Il n’est pas sûr, d’ailleurs, que Roderigo l’ait bien écouté ! En effet, il suit sa propre pensée – ce qui ne manque pas de produire un décalage comique entre la grandiloquence d’Iago et l’indifférence de son complice. Il entre immédiatement en action, en poussant Roderigo à dénoncer Othello et Desdémone au père de celle-ci dans sa haine contre Othello, il n’hésite pas à tout piétiner autour de lui. Desdémone, la fille », n’a droit qu’à son mépris elle aussi. Iago apparaît ici comme un personnage inquiétant, dépourvu de tout scrupule moral, prêt à tout pour se venger – et d’autant plus dangereux qu’il sait revêtir le masque du bon serviteur. Acte II, scène 1, de mets-toi le doigt sur la bouche » à ce que permettront les circonstances ». Tous les personnages se sont retrouvés à Chypre ; entre-temps, le danger turc a disparu, et Othello veut fêter en même temps la sécurité retrouvée et son propre mariage. Ici Iago tente une fois encore de circonvenir le naïf Roderigo. Construction du texte Desdémone ne peut que se dégoûter de son mari ; Elle ne peut qu’être amoureuse de Cassio ; Il faut donc passer par Cassio pour atteindre Othello. C’est un raisonnement faux de bout en bout… et pourtant, la machination va tragiquement réussir ! Un jeu de massacre Une leçon de misogynie Le raisonnement d’Iago semble implacable par sa nature même, Desdémone est condamnée à trahir Othello. l. 15 Il y a chez lui une véritable haine des femmes, qui s’exprime de la manière la plus brutale. Les femmes sont, selon lui, toutes entières guidées par des passions dévergondées et lascives » ; elles ont besoin de réveiller le désir » ; le moindre geste n’est guidé que par la paillardise », la luxure », les pensées dépravées ». Outre que Iago prête à Desdémone ses propres obsessions, on remarquera qu’il se place dans une longue tradition misogyne, qui va d’Aristophane aux Fabliaux, et à la Querelle des femmes ». Iago est l’être qui toujours nie » rien ne résiste à ses convictions – ni à son mépris Desdémone n’est que la fille », semblable à toutes les jeunes folles ». Une leçon de haine raciste Rien d’Othello ne résiste au regard dévalorisant d’Iago. Ses récits ? ses rodomontades et de fantastiques mensonges », des balivernes ». Sa personne ? Il n’a ni charme, ni jeunesse, ni élégance ; il ne peut que susciter le dégoût et la haine – l’amour de Desdémone n’est, au mieux, qu’une illusion, au pire, un mensonge. Mais Iago n’est pas tellement différent, en cela, de Brabantio, par exemple, ou de Roderigo lui-même… La haine et le mépris envers les protagonistes n’est donc, chez Iago, qu’une monstrueuse amplification des clichés misogynes et racistes qui ont cours dans la société où il vit ; et c’est sans doute pourquoi on l’écoute, et on le croit il fait écho à la pensée profonde de son public. Une haine générale… … qui n’épargne évidemment pas le Beau Cassio » ce coquin est un beau parleur » sous une apparence polie et sympathique, c’est lui aussi un monstre sensuel et prêt à tout ; un homme sans qualités » mais capable de les simuler toutes… Auto-portrait d’Iago l’homme qui toujours nie » Bien avant le Méphistophélès du Faust de Goethe, Iago constitue la parfaite figue du nihiliste. Rien ni personne à ses yeux ne trouve grâce, ni Desdémone, ni Othello unanimement respecté comme chef militaire, ni Cassio… ni même Roderigo, qui n’est à ses yeux qu’un benêt à éduquer, et un moyen. Il semble vivre dans un monde entièrement négatif, où les apparences les plus riantes ne recouvrent qu’une noirceur intégrale. Sa haine s’attache particulièrement aux sentiments, qui littéralement, à ses yeux, n’existent pas. Toute sympathie ne peut être que de nature sexuelle – or le sexe le dégoûte profondément. Le Pouah ! » de la ligne 44 est un cri du cœur ! Lui-même, d’ailleurs, vit avec sa femme dans le conflit et le mépris. Un redoutable parleur Iago cependant est écouté, peut-être parce qu’il n’est pas dénué de talent. Un talent d’argumentateur il sait tordre la réalité pour convaincre, flatter son interlocuteur ta sagacité », démontrer et persuader… Un jeu d’acteur on peut imaginer une verve de bonimenteur Madame la Sensibilité, jeu sur les images le vin qu’elle boit est fait d’un fameux raisin »… Une réelle autorité nombreux impératifs… Conclusion Iago s’affirme comme un personnage dangereux ; rien ne saurait le convaincre une fois qu’il a pris quelqu’un dans ses filets, et il ne reculera devant rien. Et le pâle Roderigo n’est qu’une marionnette entre ses mains. Bibliographie Darge Fabienne, L’Othello sauvage de Thomas Ostermeier , Le Monde culture, 21 mars 2011. Marienstras Richard, Le Proche et le lointain. Sur Shakespeare, le drame élisabéthain et l’idéologie anglaise des XVIème et XVIIème siècles. Éditions de Minuit, 1981. Lire en particulier le chapitre VI. Marienstras Richard et Gow-Blanquet Dominique, Autour d’Othello, colloque des 5-6-7 février 1987, Amiens, Presses de l’UFR Clerc, Université de Picardie, 1987. Sissa Giulia, La Jalousie, une passion inavouable, Odile Jacob, Paris, 2015, 259 p. lire notamment l’analyse d’Othello, p. 152-160. À propos de France, de Bruno Dumont Une journaliste d’une TV allemande, lors des inondations de juillet, ne s’est-elle pas mis de la boue sur elle pour faire genre, comme si elle avait aidé les sinistrés, et nous raconter des salades et tout bidonner ? Du France toute crue, non ? » Le Monde, propos recueillis par Jacques Mandelbaum Les journalistes parlent au nom de la France, les journalistes parlent au nom des Français en permanence ; regardez la télévision, ils prennent toujours à partie les Français en disant les Français pensent que… On parle de nous à coups de sondages en permanence, on est sondés en permanence, on sait que les sondages sont faux, et toute l’argumentation des échanges qui se font sur les plateaux se font avec ces bases d’informations qui sont fausses. Les gens en ont assez tout simplement de cette représentation-là. » L’Invité des matins, France Culture, propos recueillis par Chloë Cambreling Francecaste La réception d’un film, celle du public comme celle de la critique » est toujours intéressante à analyser. Ainsi le film de Bruno Dumont, France, a été hué à Cannes par une partie de ladite critique », à savoir le personnel médiatique, quelque peu malmené par le réalisateur dans son dernier long-métrage. Voilà pour le mode frontal ; sur un mode plus soft, celui de la réticence mesurée forte de sa superbe subtilité et de son surplomb, mais sur le fond non moins hostile, on a eu droit à la critique raffinée Non, décidément, monsieur Dumont, habituellement nous-aimons-beaucoup-ce-que-vous-faites, mais là, non, vraiment, c’est bien trop gros, trop grossier, grosses ficelles, d’un lourd ! Appuyé, trop long, et-finalement-ça-dessert-le-propos. De même une journaliste de France Culture recevant Bruno Dumont, je rapporte en résumant et sans caricaturer Non nous ne sommes pas la parole officielle / vous êtes dur avec nous / nous ne vous avons pas attendu pour être nous-mêmes très critiques envers le système médiatique. [1] Habituelle ritournelle, celle de la défense de la déontologie et de l’indépendance ainsi le système de l’info-spectacle ne résiderait que ou essentiellement dans et par la verticalité, l’autoritarisme des décideurs de la fabrication de l’info – qui plus est, en continu ». Il est d’ailleurs notable que toutes ces critiques des professionnels de la profession, des plus défavorables jusqu’aux faux-amis, jurent bien sûr leurs grands dieux qu’il ne s’agit nullement là de corporatisme ! Nous sommes ici dans le monde clean des gens de bonne compagnie, libres de leur libre-arbitre et particulièrement conscients de leurs lourdes responsabilités dans l’édification quotidienne des masses contemporaines atomisées, un monde de Chevalerie moderne des arts et des lettres en quelque sorte, monde des idées loin de toute sociologie et des intérêts bien compris, loin de la boue et du vulgaire, des incongruités et des paroles déplacées autrement dit, tant que Dumont faisait dans le grossier », quand il s’agissait de plèbes du Ch’Nord et/ou d’autres temps Ma Loute, P’tit Quinquin, Coincoin et les Z’inhumains…, tout allait bien, mais là, franchement Nous Nous, la caste, qui bien sûr, ne saurait exister que dans l’imagination de douteux populistes, nous méritons mieux ! Vraiment, vous méritez mieux ? semble adresser le film à ladite caste, qui, prévisible en diable ajoutant là une joyeuse pincée d’épice à la désolante comédie du réel » qui se joue hors-salle se défend d’autant plus bec et ongles que, de la caste au casting – et réciproquement – France déploie un jeu de miroirs fort mal-aimable et pour ne pas dire un tantinet pervers, une peinture en 3D voire en 4… d’un monde / bocal / aquarium d’entre-soi, qui, à la façon des labyrinthes de verre des parcs d’attractions sonne un glas des plus glaçants. France, portrait d’une femme, d’un pays, d’un système » c’est l’accroche de présentation du film par les principaux producteurs, 3B productions ; acceptons donc l’invitation, en cheminant à rebours de son énoncé. I Affabulations Un système » hologrammes et ectoplasmes France s’ouvre sur une scène qui, littéralement, campe le décor une conférence de presse du président Macron à l’Élysée ; il s’agit bien ici, du vrai président, et la scène a en effet bel et bien été tournée au Palais, sous les dorures de la République, pour reprendre l’expression usée et en usage. Habile montage numérique s’il en est mais depuis plus de vingt ans CGI et autres trucages numériques nous ont tant habitués à l’invraisemblable devenu vraisemblance que nous en sommes blasés – habitués, fatigués, au point que plus rien ne nous étonne. Précisément, ici, l’habilité du montage ne réside pas là où l’on pourrait le penser, dans sa prouesse technique, mais dans son traitement esthétique [2] perspectives subtilement tronquées, lumières surexposées ou contrastées – dans ce qu’il met, littéralement, en lumière, en surexposition. Soit, côté Prince, une image surréelle tout en lumière excessive, le monarque apparaissant plus que jamais en Roi-Soleil-PDG-Dir’Com’, image de synthèse, androïde, sur-humain dans sa version transhumaniste, autant dire un cyborg liste à compléter ad nauseam, tout cela au choix ou tout en même temps ; côté public », un parterre de journalistes accrédités, presque un tableau, une image peinte, qui se présente comme réaliste et se veut concrète, public figurant le peuple, qui, bien sûr, manque. Sur ce qu’il s’y dit et comment la scène se déroule ? eh bien il ne s’y dit pas grand-chose, bien sûr, si ce n’est rien » mais un rien qui dit néanmoins, forcément, quelque chose, car tout est déjà de part et d’autre surcodé, bien en amont et par-delà toute entente conspirative le Spectacle n’est pas un complot , c’est une misère » / Debord ; ce qui rend d’autant plus possible et pratique ! le trucage la parole présidentielle piquée lors d’une conf’ de presse qui a réellement eu lieu puis remontée-traficotée – v. insert du générique de fin du film est d’elle-même naturellement » et suffisamment mécanique et vide, telle la bande sans fin d’un tape-recorder se dupliquant en permanence, qu’elle peut bien en toute circonstance répondre » à n’importe quoi, que ce soit en live ou via un montage audio-vidéo ad hoc, et ce d’autant plus aisément que lesdites questions » sont elles aussi de parfaits organes et miroirs de la machine. Jusqu’ici tout va bien. Nous sommes au théâtre, de tréteaux et de foire, face à une commedia ; le peuple », son substitut, son ersatz, son imposture journalistique ricane, à la manière d’une caricature du langage des signes, en inversion/traduction bouffonne de ladite comédie de masques [3] grimaces, gestes obscènes, propos orduriers à l’appui de Lou Blanche Gardin qui tient le rôle d’une plèbe factice, pseudo-plèbe complice dans un numéro-duo incestueux avec le Prince sur le mode clown blanc / Auguste. Mais tout ce théâtre, ce cinéma, sont théâtre, cinéma, vides d’acteurs et d’actrices – au sens de ceux et celles qui agissent, car ici ne s’agitent que des fantômes, des ombres théâtre d’ombres est l’autre nom de la scène politique nous sommes au désert, non celui de l’émergence possible de l’Événement, non celui de l’espace vide de Brook ou du Théorème de Pasolini, mais plutôt dans un trou noir, un espace-temps inversé, le désert absolu du spectacle clos-plié-chiffonné sur lui-même, tout à la fois mondialisé et provincial, désert nihiliste d’une autodestruction en marche de fin du monde [4] ; car ici, si ici veut encore dire, signifier quoi que ce soit, il n’y a, en fait, déjà, plus personne il n’y a plus que des personae, des masques – mortuaires. Le fait que Macron joue » [5] si l’on peut dire son propre rôle n’est ni anecdotique ni anodin au-delà de la mécanique comique de la technique, c’est bien le fait qu’il n’y a, surtout, pas besoin de doublure pour incarner un tel personnage l’image-montage sera sans conteste, toujours, le meilleur choix, et en tous points supérieur car, ici la copie vaut mieux que l’original, puisqu’elle lui est, au fond, égale. La scène d’ouverture plante le décor, ou mieux elle nous invite, pour le lire, à voir le film sous un angle particulier, à la manière d’une anamorphose, soit à partir d’un dispositif, d’une disposition, d’un point de vue où tout devient, ou tout du moins, est susceptible de devenir, potentiellement, virtuellement, un ou une multiplicité de décors, dans le supposé-réel que nous propose le récit en forme du nom de France » le système, le pays, la femme. Le film est ainsi, tout entier, un théâtre des opérations – au sens militaire mais aussi dans un espace géométrique / mathématique [6] –, de mises en scène et d’auto-mises en scène proliférantes guerres, migrants, misère, reality et family-shows, romance, faits-divers sordides et monstrueux, jusqu’à l’acte manqué d’un smartphone resté incongrument à l’antenne, mais acte dont les retombées médiatiques seront probablement et ô combien opportunément recyclées, positives et juteuses ! [7] … France est une fable, une fiction un film en trompe-l’œil qui s’assume comme tel, comme un regard-caméra qui semble dire à chaque instant ceci n’est pas une pipe. Et si l’on peut sourire, voire rire parfois, ce n’est pas drôle. Le pays » qui s’esquisse ici n’est pas, ou pas seulement, pas essentiellement, celui d’une comédie, c’est un territoire louche, une interzone qui louche vers un tragique instable et une comédie tronquée, qui trace un diagramme [8] mélancolique de l’époque où, en l’occurrence, ricanement douteux et mièvrerie font très bon ménage. Un pays » ? ventriloques et zombies Rappelons le pitch en quelques mots France de Meurs Léa Seydoux, jeune-blonde-riche-et-jolie, est LA télé-star journaliste-productrice-réalisatrice de terrain » et de plateau » du moment ; peu heureuse en ménage, voilà qu’au faîte de sa gloire, elle renverse accidentellement un jeune homme en scooter ; l’accident est sans gravité mais le petit caillou, le scrupulus va déclencher une grave dépression c’est le coup du grain de sable qui vient gripper la machine. France de Meurs se meut dans un monde-système largement hors-sol, et le scrupule lui envoie une première flèche, en forme de question aussi simple que ravageuse que se passe-t-il, vraiment, au dehors du bocal invisible, des dômes plateaux, studios, appartement luxueux… dans lesquels tu frétilles ? Y a-t-il, même, encore un monde, concret, palpable, dicible, atteignable ? Oui, bien sûr, pourrait répondre et objecter le bon sens dont il faut toujours se méfier ; sauf que la question ici posée ne se place pas du point de vue du bon sens, mais bien sur le terrain de sa subjectivité consciente et inconsciente quel est le regard de France sur le monde, sur le pays qu’elle n’ habite pas ? de quel type de regard est-elle capable, depuis le cocon, de quoi est-il pétri ? à son tour que renvoie le pays France, à France ? En vrac … Un banquet des élites », parterre consanguin de bourgeoisie techno-capitaliste et médiatique, devant lequel la représentante d’une multinationale, en véritable campagne politique, assume explicitement et frontalement et non sans jouissance le banditisme organisé de sa classe prédatrice et la nécessaire liquidation de l’État – et à travers lui, de toute forme de communs » ; s’ensuit une petite messe de table, sur le mode repas de famille, où le même discours se répète, se décline en mode tranquillement inquisiteur, histoire de vérifier que les membres du club, de la caste, de la famille, de la mafia, ne vont pas virer hérétiques, sermon qui sonne comme une menace fielleuse, comme dans toute cosa nostra ce qui n’empêchera d’ailleurs pas le parrain » de s’étouffer tout seul [9]… … Une famille franco-arabe bien gentille le Baptiste du scooter Jawad Zemmar est légèrement benêt et ses parents fans de France. Famille prolétaire dans les ennuis financiers rivée au monde de la lucarne qui joue timidement et contre son gré, à son insu, la mécanique d’une réplique façon télé-réalité, tandis qu’au-dehors un magazine people guette le scoop… … Une soupe populaire, une asso d’aide aux plus pauvres choc frontal et violent comme un car crash France a beau faire, elle n’est pas ipso facto la bienvenue… … Une pauvre femme perdue dans sa propre maison et sa çale histoire, quelque part sur la Côte d’Opale, et qui n’a rien vu venir du côté de son homme infâme… … Un jeune inconnu menaçant en plein pétage de plomb qui, sans raison apparente, fait effraction dans le récit, fracassant un vélo en guise de meurtre symbolique… Car au dehors du théâtre de foire-fantôme et du monde factice du simulacre, c’est la désolation d’un pays dé-peuplé, zombifié, décérébré, désespéré ou atteint de ventriloquies. Ça peut bien parler et il faut, même, que ça parle, car The Show Must Go On et le show est un vampire qui se nourrit de ces malheurs, mais qu’est-ce que cela articule ? Mélancolie, sénilité, ressentiments, haines, désespoirs, France le pays est un nom-vitrine, un décor, un signifiant vide pour citer Laclau et Mouffe, un pays comme bien d’autres, saigné à blanc et en voie de dissolution numérique, en proie aux prédations économico-médiatiques jamais rassasiées, prison mentale d’un monde virtualisé qui semble avoir définitivement lobotomisé tout un chacun. Mais puisqu’il est question de système, il faut bien que celui-ci trouve appuis et médiums le personnage de Lou / Blanche Gardin, davantage qu’une assistante, incarne bien le double, l’ombre sans faille de France, celle sans qui l’écroulement aurait déjà eu lieu ; car avec Lou chaque obstacle, dépression, est objet de rebond. Connectée en permanence à son smartphone et ses tablettes, elle est organiquement liée au monde virtuel qui ne cesse de s’actualiser, faisant corps-machine-avec ; elle est l’interface vivante, deus ex machina et vice-versa ! des réseaux sociaux là serait le vrai peuple » d’aujourd’hui, incarnation du présentisme [10], de l’annulation obstinée de toute expérience sensible authentique un agent Smith du Spectacle, nihilisme pur qui ne connaîtra jamais aucun état d’âme elle en semble parfaitement dépourvue. Dans la fable France aux allures faustiennes et où les trois paliers [11] système-pays-femme se superposent et se confondent, elle tient la part du diable Dumont est hanté par la question du bien et du mal, est essentielle à la mise en tension équilibre / déséquilibre de la mécanique tragicomique, contrepoint nécessaire à France, la femme. Mais, de quelle femme, de quelle sorte d’être humain s’agit-il ? là est la question. Une femme » persona Est-elle, ou n’est-elle pas ? Le film semble poser le problème en filigrane, en douce, à l’encre sympathique ou antipathique, insidieusement. À part quelques scènes de la vie conjugale et familiale, on ne sait rien ou si peu de France de Meurs, et probablement pas beaucoup plus en tous cas que ce que peuvent en raconter magazines people et réseaux sociaux ; jusque dans l’intimité de l’appartement de la Place des Vosges, sublime et froid comme un décor, France est avant tout une image. Certes, il y a le mari Fred, Benjamin Biolay – écrivain de son état, certes, il y a l’enfant Joseph, Gaëtan Amiel – lui aussi rivé à sa tablette et son smartphone une famille réduite à son strict noyau, voilà qui pourrait donner quelque consistance, un peu de chaleur, d’empathie et d’histoire charnelle. Mais Dumont reste volontairement à la surface, et le foyer comme l’amour semblent choses mortes ou figées, congelées, perdues ; inaccessibles. France, la femme, l’épouse, la mère, est littéralement désincarnée, son propre produit, son propre persona. Curieusement, elle n’est pas même propriétaire » de son nom de famille de Meurs, c’est celui de son mari. Nous n’en saurons pas plus, toujours est-il que de Meurs est un nom qui sonne » du côté de la mort ; est-ce là une fin tragique annoncée, pour le mari et le fils, pour ce pays qui se meurt, pour la femme qui – peut-être – renaîtra de ses cendres ? Chez Bergman Persona, Elisabeth Vogler / Liv Ullman perd la voix sur la scène en incarnant Électre dans la tragédie du même nom ; dans France, France perd elle aussi la voix » et peut-être la voie. Mais là où la tragédienne ne bougera plus d’un iota dans sa désertion aphasique, amoureuse et professionnelle, emportant tout sur son passage dans son voyage immobile et intérieur, et avec elle l’infirmière Alma / Bibi Andersson dans un jeu de doubles et de miroirs d’une charge puissamment érotique, France, elle, s’égare, s’agite, se reprend, va et vient, recommence, zigzague… Quelque chose s’est certes déclenché et détraqué avec l’accident du scooter, un incident à démarreur comme un exercice oulipien à la Perec que se passerait-il si… , le comble, et le plus drôle, le plus intéressant aussi étant que celui-ci est vraiment mineur, voire minable ! Mais si la brèche est si étroite, si petite, minable elle aussi, c’est parce qu’elle est somme toute à la hauteur, si l’on peut dire, de la femme sans qualités de son époque et de son cocon nous n’avons plus rien d’épique, clap de fin / fin de l’Histoire, juste des histoires, des mises en scène, des storytelling… Car si France, très momentanément, perd la voix », elle ne perd jamais tout à fait la tête, elle ne cesse de se ressaisir, de rebondir, de recommencer, son devenir semble patiner, faire du surplace. Arrêtons-là le clin d’œil bergmanien. Autres temps, autres mœurs, autres milieux, autre contexte intellectuel et politique, Persona porte la marque et la signature des années 1960 ; le persona dont il s’agit ici louche et lorgne bien davantage vers un persona » de marketing [12], sans cependant s’exclure totalement d’une dimension tragique. Jeune-jolie-blonde-blanche-riche France, la femme, est déplaisante, a priori haïssable à souhait, narcissique au possible, et déteste qu’on lui résiste [13] ; elle gagne cinq fois plus que son mari », ne s’est visiblement jamais posé la question de savoir comment s’orienter, se situer politiquement, le comble pour une journaliste qui se veut poser un regard sur le monde » [14]. Et puisqu’il est question de regard, celui que Dumont nous invite à poser sur France, la femme, n’est pas non plus, a priori, un regard d’empathie nous aussi nous lui résistons, nous résistons à la réalité ou du moins à la consistance, l’épaisseur, la profondeur de sa fêlure, à ses manœuvres de séduction, à ses pleurs parce qu’au fond de nous, il y a un doute. Il nous est difficile d’y croire tout à fait, de se laisser spontanément embarquer – comme en amour –, tant l’image-télé-star colle à la peau de la femme. Dans la course ou le match qui se joue, elle a un handicap qui barre ou rend incertaine toute sincérité, improbable voire suspecte sa métamorphose. C’est bien la question centrale que pose le film peut-on changer ? Et il la pose, précisément, à partir d’un personnage dont on peut douter à juste titre, non seulement de la sincérité mais de son existence-consistance même de sa réalité-même le persona » de marketing, factice – autant dire une arnaque ; ou pour le formuler autrement à force de spectacle, y a-t-il encore quelqu’une derrière tout ce factice, derrière le masque ? [15] Mais à cette question il ne s’agit pas de répondre – catégoriquement du moins. Il ne s’agit ni de suivre France dans son histoire à l’eau de rose elle serait l’héroïne-positive-pauvre-victime » [16] 1, d’une machination de paparazzi ; 2, d’un monde par trop cruel…, ni de réduire son personnage à la seule hypocritès celle qui feint », car si le masque lui colle à la peau, il est clair qu’il lui arrive quelque chose et que le masque se fissure et tout comme elle, nous ne pouvons savoir ce qu’il en sortira. Ce n’est pas donné d’avance – il n’y a pas de vérité » qu’il suffirait de dévoiler » il y a un processus, avec ses limites. Peut-on changer radicalement ? On peut le penser ; le désirer ; France-le-personnage le désire aussi et se débat avec cette question ; mais comme en psychanalyse ou dans toute prise de conscience », cela ne suffit pas… ce n’est qu’un début… qui n’ira pas, ne peut aller en ligne droite d’où les zigzags. On peut certes ne pas adhérer à cette hypothèse, la jugeant par trop invraisemblable ; mais c’est sur cette hypothèse que le film prend appui un problème posé, et un pari, celui d’un changement, incertain, ténu, mais somme toute ! peut-être possible. Je fais donc ici, avec le film, le pari, et joue le jeu celui du spectateur, partie prenante du film, et de la fable. Alors oui, probablement, France-personnage voudrait changer. Mais le peut-elle, et jusqu’à quel point ? Et puisque personne n’est seule au monde, autrui France-et-son-monde » en quelque sorte la laissera-t-elle faire ? Comme dans la série télé des sixties Le Prisonnier, elle semble ne pas pouvoir s’échapper du Village, le gros ballon de la Matrice la course, la rattrape et l’étouffe – elle-même faisant corps-avec ledit ballon… [17] Aussi pour longtemps – le temps recomposé, monté, fictionnel du film – France demeure » en poupée russe un personnage dans le personnage dont il faut interroger la fonction ou la nature, dans la toile de la mécanique dramatique. Car au-delà de l’image qu’elle incarne », France la femme » est d’abord une figure, un prétexte, un démarreur », à son tour, celui d’une machine tragique tournée vers les spectateurs et spectatrices, un regard-caméra obsédant qui nous est adressé, un ostinato pouvons-nous changer ? France, la femme-fable, pose et se pose l’improbable problème du rachat, de la rédemption, et au-delà de toute connotation morale et religieuse, du changement, du devenir. France, le film, ne donne pas la solution il n’y en n’a pas, pas de déjà-là. Il met plutôt en abîme une série d’autres problèmes, qui ne sont pas que » philosophiques, mais liés au cinéma lui-même. Car à bien y regarder – nous revenons ici sur l’idée d’anamorphose – tout ou presque dans France sonne faux, et la matière, le matériau-film lui-même, se fait à son tour acteur-personnage dans une auto-mise en scène qui met en jeu une autre question celle de la vérité, du vrai et du faux. La tragédie plus ou moins toc, la parole ventriloque-perroquet, la romance à l’eau de rose avec Charles Emanuele Arioli, véritable roman-photo façon Nous Deux sur fond de musique mélancolique celle de Christophe, déjà aux manettes dans Jeanne, tout cela concourt à poser la question de la réalité » de la vérité », de sa perception ; question elle-même excédée par une autre, plus retorse quel film suis-je en train de voir ? Que recèlent – ou donnent à lire et voir – ces images ? II Fenêtres sur cours Télécinoches La scène d’ouverture – la conférence de presse présidentielle – donne la clé de lecture du film on plante le décor. Si l’on prend la chose au sérieux, c’est alors toute notre façon de voir qui est déviée, notre regard qui s’en trouve acéré les plans le cadre, la structure du scénario, tout converge vers un film mille-feuille où se succèdent, voire se superposent, sit-com, roman-photo, telenovelas, télé-réalité, docu-fiction et… cinéma. Les images ne cessent de mentir ou de semer le doute ; l’appartement est un décor de théâtre, même s’il est vrai » ; le pare-brise de la voiture de France se présente à l’écran tel qu’il devient lui-même un écran à fond perdu comme celui d’un plateau télé ; l’hôtel de luxe est une maison de repos où l’on peut – pour de bon – perdre la tête et se faire des films [18] le cinéma se convoque lui-même dans une saturation d’images-fantômes [19] ; la deuxième flèche », le second accident du film une histoire d’amour tout-en-rose qui s’avère n’être qu’une manipulation pour la presse à sensation deuxième flèche, deuxième question l’amour est-il possible ? et l’on ne peut discerner, pour France, ce qui la fait le plus souffrir, de la déception amoureuse, de l’écroulement du rêve ou de la blessure narcissique ; la mise en scène de soi et de la guerre faisant écho à d’autres spectacles, d’autres mensonges, d’autres ego, télévisuels, surdimensionnés [20] ; sans oublier du Bresson d’aujourd’hui », avec une des scènes de la fin du film, où Dumont fait retour à la Côte d’Opale et à sa filmographie [21], à travers un fait-divers aussi triste que sordide interview de la mère, recueillement de France devant la photo de la petite fille violée et assassinée, puis devant un champ de boue, murmurant un C’est beau des plus… pathétiques… ; l’accident-tragédie-annoncée on voit venir la chose de loin le car crash mortel du mari et du fils, quelque part entre la fin des Valseuses et la scène toujours rejouée des Choses de la vie… Oui, le film en fait trop, il dégorge du faux, sans cesse et jusqu’à plus soif. Jusqu’à son casting car qui est France, si ce n’est Léa Seydoux, l’actrice française à la carrière internationale Tarantino, Ridley Scott, Woody Allen, Raoul Ruiz, franchise James Bond et Mission impossible… et fifille de bonne-grande famille ? Lou, Blanche Gardin, on ne peut plus dans le show ? Fred, Benjamin Biolay, qui connaît bien ce monde-là ? Et encore, et jusqu’à plus soif les journalistes qui jouent leur propre rôle ou presque… et encore, écrivains, universitaires… La distribution est en elle-même un film dans le film et il ne s’agit pas ici de copinage potache, mais bien d’un cadrage, d’une contrainte du regard, d’une écriture de ce point de vue, il n’y a pas de différence de nature entre P’tit Quinquin et France ; les acteurs et actrices y sont si près de leurs personnages. Histoires de faussaires Dans un de ses cours sur le cinéma Vérité et temps, le faussaire, 1983-1984, Deleuze travaille la question de l’indiscernable, de l’indécidable. France fait partie de ces films où le fond », le propos s’exprime et prend corps dans sa forme-même, absolument vous êtes au cinéma, au théâtre, ne cesse de dire Bruno Dumont. C’est bien sûr plus flou », ambigu, indistinct que dans Jeanne ou Ma Loute, et c’est bien le propos. Ne pas se laisser séduire par les apparences, la traversée des apparences des images. Ici tout fait signe si ce n’est sens, dès lors que l’on se laisse happer pouvoir des images, du montage, nous ne sommes plus très loin d’une folie sous-jacente, possiblement gagnés par une lecture en paréidolie, voire en apophénie comme le cinéma de Lynch nous y invite. Il n’y a là, au vrai, rien de bien étonnant le monde virtuel » de France-le-pays-signifiant-vide et de France-le-personnage, est un monde de nulle part, une utopeople, un dépeupleur, une Dolce Vita de notre époque. France est le Marcello Mastroianni, le paparazzo de notre époque qui erre dans une succession de décors et de séquences, touchée inégalement par ce qui lui arrive. Ainsi, elle peut sembler, du moins en apparence, moins atteinte par la perte tragique du fils et du mari – troisième flèche, troisième question comment vivre après ça ? –, que par l’accident pourtant insignifiant en apparence également du scooter. Mais peut-être est-ce là, justement, le signe d’une amorce de non-jeu, d’où la représentation peut commencer à s’effacer ? Monde autophage et en circuit-fermé, monde de la dégradation de l’expérience vécue, du flux des images, de la mise en scène de soi, mise en scène déjà-vue mais jamais-vécue de l’amour, de la rencontre, monde dévasté, hanté par la fin et l’écroulement c’est l’Apocalypse, Carpentier Coincoin et les Z’inhumains ! Ainsi sonne » en trompette si ce n’est en fanfare la scène de fin, quand arrive le jeune homme qui, semblant avoir perdu la raison, s’acharne sur un vélo et le massacre littéralement, ce qui n’est ni politiquement correct ni très écolo. Ce n’est pas clean. Le couple d’amoureux, France et Charles tout juste retrouvés, just married en quelque sorte, en est tout bouleversé, voire terrorisé c’est le monde, non pas le monde numérique mais le monde brutal, sans filtre » qui est toujours là, se convoque de lui-même, fait effraction. Insaisissable, insensé », mal-aimable. Puis la menace, la toujours-possible-mauvaise-rencontre s’éloigne, disparaît, sans plus. Le couple s’enlace, le cocon semble se reformer comment interpréter dans ce tout dernier plan le sourire de France ? Est-ce l’amour émancipateur enfin trouvé ? Ou le repli sur soi et sur sa classe qui fait retour ? On ne le saura pas, même s’il est clair que, si changement il y a eu, il reste confiné dans un monde aux parois invisibles diablement étanches. On ne se mélange pas. Ce n’est pas un à bientôt j’espère, mais une annonce bien plus obscure, un Demi-clair matin à la Péguy – dont le film s’inspire. Ainsi, France est peut-être le plus expérimental des films de Bruno Dumont, un cadavre exquis, défilé de morts-vivants où certains portent des costards, et d’autres pas. Séjour où des corps vont cherchant chacun son dépeupleur. Assez vaste pour permettre chacun de chercher en vain. Assez restreint pour que toute fuite soit vaine. » Samuel Beckett / Le Dépeupleur / 1966-1970 Marco Candore Définition, traduction, prononciation, anagramme et synonyme sur le dictionnaire libre Wiktionnaire. Français[modifier le wikicode] Étymologie[modifier le wikicode] 1160 Du latin infidelitas. Nom commun [modifier le wikicode] Singulier Pluriel infidélité infidélités \ infidélité \ féminin Manque de fidélité ; manquement à ses devoirs. Pour Don Juan, la féminité tout à fait abstraite est l'essentiel », l’individualité n'existe pas il n'y a jamais eu à ses yeux ni infidélité ni tromperie, mais seulement répétition et multiplicité. — Denis de Rougemont, Comme toi-même Essais sur les Mythes de l'Amour, Albin Michel, 1961, page 115 L’infidélité d’une femme, d’un mari, d’un ami, d’un dépositaire, d’un domestique, d’un employé. Par extension Actes d’infidélité. Il a fait une infidélité, bien des infidélités à sa femme. Ce nom de Trognon lui fit entrevoir quelque machination, il crut à quelque vice de forme projeté par avance, à quelque infidélité préméditée par la Cibot, et il résolut de se servir de ce Trognon pour se faire dicter un testament olographe qu’il cachèterait et serrerait dans le tiroir de sa commode. — Honoré de Balzac, Le Cousin Pons, 1847 Une grande infidélité. L’infidélité de la mémoire Le défaut de mémoire. Il ne faut en accuser que l’infidélité de sa mémoire. Manque d’exactitude, de vérité, en parlant des personnes et des choses. L’infidélité d’un historien, d’un traducteur, d’un copiste. L’infidélité d’un récit, d’un rapport, d’une citation. Il y a de grandes infidélités dans cette traduction. Religion L’état de ceux qui ne sont pas dans la vraie religion. Être obstiné dans son infidélité. Il était chrétien et tomba dans l’infidélité. Traductions[modifier le wikicode] 1 Allemand Untreue de féminin Ancien français escocerie * Anglais unfaithfulness en Italien infedeltà it Kazakh опасыздық kk opasızdıq Polonais niewierność pl féminin Same du Nord behtolašvuohta * 2 Allemand Untreue de féminin Anglais infidelity en Espéranto adulto eo Italien infedeltà it Prononciation[modifier le wikicode] France Nancy écouter infidélité [Prononciation ?] » Références[modifier le wikicode] Tout ou partie de cet article a été extrait du Dictionnaire de l’Académie française, huitième édition, 1932-1935 infidélité, mais l’article a pu être modifié depuis. Le J’accuse de l’écrivain Philippe Alexandre Jandrok sur la machination vaccinale ! L’usage de la force et de la coercition pour l’injection covid19 La complicité ignoble des médias et la persécution des français non injectés La déresponsabilisation des labos L’expérience inouïe de l’injection de masse covid19 qui fait de nous des rats de laboratoire La complicité et corruption à tous les niveaux de notre société Le double problème de la protéine Spike et de l’oxyde de graphène Etc… Rejoignez notre fil d’informations VICTORIA LUMINIS sur Telegram pour accompagner l’Evénement ! cliquer sur la galaxie Articles similaires Cinéma Cécile de France et Edouard Baer sont à l’affiche du dernier film d’Emmanuel Mouret, adaptation d’un épisode de Jacques le Fataliste », de Diderot. L’avis du Monde » – à ne pas manquer Le premier film en costumes d’Emmanuel Mouret Caprice, 2015, drolatique pastelliste des choses de l’amour L’Art d’aimer fut le titre ovidien d’un de ses films, est l’adaptation d’un épisode bien précis du roman philosophique Jacques le Fataliste, de Diderot, connu des cinéphiles pour avoir déjà prêté son argument aux Dames du bois de Boulogne 1945, de Robert Bresson, sombre et magnétique chef-d’œuvre du cinéma français de l’Occupation. Les deux films racontent, peu ou prou, la même histoire la vengeance d’une femme bafouée qui ourdit contre son amant volage une machination implacable, vouée à l’humilier publiquement. Pourtant, la version de Mouret se défait significativement de cette parenté intimidante, pour se montrer fidèle à Diderot, investir corps et âme un XVIIIe siècle où les délibérations amoureuses empruntent les subtils cheminements de la philosophie morale. Lire l’entretien avec Cécile de France Article réservé à nos abonnés Ce rôle m’éloigne enfin des filles sympathiques qui sont mon lot » Madame de La Pommeraye Cécile de France, jeune veuve vivant recluse dans ses terres, héberge depuis des mois le Marquis des Arcis Edouard Baer, un libertin patenté qui la poursuit de ses assiduités, tout en lui tenant le registre de ses innombrables conquêtes. Se drapant d’abord dans une posture amicale, la jeune femme se laisse néanmoins séduire et convole bientôt aux bras de l’impétrant. Mais au bout de quelque temps, elle remarque chez lui un certain désintérêt. Elle prêche alors le faux pour savoir le vrai et, ce faisant, donne à son amant une occasion rêvée de retrouver sa liberté. Outragée, la malheureuse imagine alors un piège afin de corriger le coureur de son inconstance. Elle extrait de la misère et de la prostitution une aristocrate déchue et sa fille, Madame et Mademoiselle de Joncquières Natalia Dontcheva et Alice Isaaz, leur inventant une fiction de piété et d’impécuniosité, pour mieux jeter cette dernière, dotée d’un visage d’ange, dans les pattes concupiscentes du marquis. L’amour est aussi un champ de bataille, une lutte, à celui qui prendra un réel ascendant sur l’autre, à qui joue ou sera joué Mademoiselle de Joncquières brille d’abord par la clarté de son trait, la bonne tenue de son interprétation, sa limpidité dans l’expression des caractères comme de leurs évolutions. Faisant la part belle au texte et aux plans longs, le film épouse tout autant le cours sinueux des sentiments que la lutte intestine qu’ils recouvrent, puisque, c’est bien connu, l’amour est aussi un champ de bataille, une lutte, à celui qui prendra un réel ascendant sur l’autre, à qui joue ou sera joué. Le siècle des Lumières offre à cela le plus bel écrin qui soit, celui de sa langue, dont les comédiens restituent tout le charme. Une langue empreinte de mille subtilités, pénétrée de précision mais soumise à équivoque. Cet art de la conversation, Mouret le met en scène comme une flânerie entre parcs et jardins, dans une nature dont il extrait parfois des compositions à la Watteau, où le rythme alangui de la marche permet de joindre la réflexion au sentiment. Le cinéaste trouve là un parfait terrain pour jouer sur ce qui l’a toujours intéressé l’ironie consciente ou inconsciente du langage ou, pour le dire autrement, la distance qui s’établit entre les mots et les gestes, la parole et les sentiments, ce que l’on prétend et ce que l’on n’ose s’avouer. Les cadres, généralement larges, accueillent cette dialectique de la vérité et du mensonge à travers la position des personnages qui se font face ou se tournent le dos, s’affrontent ou se contournent. La joute amoureuse se mêle ainsi au combat des idées matière contre esprit, pérennité contre précarité, bonheur contre plaisir, qui sont autant de postures ou d’apparences dont jouent les personnages. Ainsi, lors d’une délectable scène de dîner, le libertin sera amené à renier bouffonnement ses principes pour s’attirer les faveurs de la jeune demoiselle, prétendument dévote, qui lui fait battre le cœur. Des enjeux contemporains L’ironie n’engage pas pour autant la cruauté et l’on ne trouvera pas ici de ces jeux de domination ou concerts de persiflages, dans le style des Liaisons dangereuses. La beauté du film tient au contraire à ce qu’il montre une égale bienveillance envers tous ses personnages, curieux de leurs contradictions, mais jamais sévère envers elles. D’amant volage, des Arcis se retrouvera soudain prétendant éconduit, poussé à la dernière extrémité du désir, et accédera ainsi à la douleur d’aimer. Madame de La Pommeraye ne nourrit pas seulement une vengeance égoïste mais au nom du genre féminin, afin de punir et d’éduquer le genre masculin – ce en quoi son émancipation rencontre évidemment des enjeux contemporains sur la régulation des rapports entre les sexes. Ainsi cette vengeance n’apparaît-elle pas autrement que comme un geste d’amour. Et pourtant, le bonheur amoureux chemine secrètement par des voies inattendues, en même temps qu’un personnage jusqu’alors discret s’épanouit au sein de la fiction. C’est le mouvement le plus étonnant du film Mademoiselle de Joncquières, instrument de vengeance et objet de désir diaphane, finit par s’animer, par s’incarner en un véritable sujet amoureux, passionné et charnel. En elle s’incarne surtout l’idéal dont le marquis prétendait poursuivre l’image chez toutes les autres de ses conquêtes – poursuite qui ne cachait en définitive que la lente maturation d’un sentiment enfoui. Ce cheminement secret vers l’idéal nous ramène finalement à Bresson et à la fameuse phrase de Pickpocket 1959 qui aurait pu servir d’exergue au film Pour aller jusqu’à toi, quel drôle de chemin il m’a fallu prendre. » Film français d’Emmanuel Mouret. Avec Cécile de France, Edouard Baer, Alice Isaaz 1 h 49. Sur le Web Mathieu Macheret Vous pouvez lire Le Monde sur un seul appareil à la fois Ce message s’affichera sur l’autre appareil. Découvrir les offres multicomptes Parce qu’une autre personne ou vous est en train de lire Le Monde avec ce compte sur un autre appareil. Vous ne pouvez lire Le Monde que sur un seul appareil à la fois ordinateur, téléphone ou tablette. Comment ne plus voir ce message ? En cliquant sur » et en vous assurant que vous êtes la seule personne à consulter Le Monde avec ce compte. Que se passera-t-il si vous continuez à lire ici ? Ce message s’affichera sur l’autre appareil. Ce dernier restera connecté avec ce compte. Y a-t-il d’autres limites ? Non. 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